Taller de creación pictórica

Ira, ternura, fuerza

2012-02-10T11:04:00.000-08:00

La práctica artística no sólo toma sus nutrientes de otras prácticas artísticas; no es sólo una actividad cultural. La comprensión de las emociones sitúa el arte junto a la vida. Este artículo es un intento de entender la naturaleza de la Ira, que en una medida u otra, todos podemos experimentar. Está hilvanado con pensamientos de Erich Fromm, Matthieu Richard, el Dhammapada, y un cuento sanador de Thich Nhat Hanh. Destaco un fragmento:

“Dos factores mentales opuestos no pueden ocurrir al mismo tiempo, no se puede amar y herir a la persona a la vez.” [Matthieu Richard] Continúa aquí

Antoni Tápies

2012-02-06T13:47:00.000-08:00

"Sé que voy a ser parcial una vez más. Nunca he dado gran importancia a las relaciones del arte con la "técnica". Siempre recuerdo lo ridículo que me pareció oír a alguien decir que las obras de Beethoven eran "superiores" a las de Mozart porque disponía de una orquesta más perfeccionada "técnicamente". Y con ello no me refiero tan sólo a la música, la pintura y la escultura. Incluso en la fotografía y el cine, que presuponen toda una tecnología, no creo que el valor de sus productos esté en relación directa con una técnica más o menos perfeccionada. Hay pequeños dibujos de Klee o Miró, hechos sin ninguna "técnica", indiscutiblemente muchísimo más emocionantes que las complicaciones de muchas obras cinéticas. Tengo prevención contra todo lo excesivamente tecnificado. Estamos tan rodeados de máquinas y productos indistrializados, que, a la inversa de lo que piensan algunos, creo que las obras de arte deben desempeñar el papel de hacernos volver la mirada a las cosas "naturales". Me ha desagradado siempre todo lo sofisticado y excesivamente elaborado. El hombre, a pesar de tanto invento, no ha de olvidar que tiene sus raíces en realidades elementales. Creo que las últimas tendencias, no sólo en arte sino en multitud de actitudes ante la vida, me dan la razón. Lo que algunos creían una evasión romántica de retorno a la naturaleza se ve hoy como una necesidad imperiosa de sobrevivencia ante la polución y el desequilibrio ecológico que acarrea la sistemática destrucción que llevan a cabo la tecnología y el industrialismo del provecho."

[Antoni Tápies, 1923-2012, en el libro Arte abstracto y arte figurativo. Biblioteca Salvat de grandes temas. Barcelona 1973]

Julio Romero de Torres, [otra mirada, 3]

2012-01-23T05:56:00.000-08:00

Julio Romero de Torres - Joven de Córdoba recostada en una puerta, 1920

Óleo / lienzo, 97 x 81 cm. Colección particular.

He cambiado de opinión sobre las etapas de Julio Romero de Torres. Antes prefería su primera pintura, la de los murales del Círculo de la Amistad, por estar mejor cocinada y tener la pincelada más vibrante, más suelta y sin lamer. Su aire a Puvis de Chavannes o Khnopff me complacía. Y mientras, rondándome toda su pintura posterior, la más conocida, sin hacerle caso por ese toque lamido, repasado, y por esa caricia melosa de pincel. Pero hoy ya no me importa tanto la forma de aplicar el color; sí me importa, pero no lo que más: he comprendido que tiene mucho mérito haber encontrado un lenguaje que decante y dé para la vista ese rasgo diferencial cordobés. Hace falta talento para advertir esa hondura, ese silencio, esa gravedad y esa seriedad opuesta al folclore andaluz, entendiendo que en la cotidianeidad se esconde lo extraordinario y el tema de la pintura. Para ello dejó de mirar lo foráneo y se centró en el barrio y en sus vecinos. Quizá Julio Romero comprendió que tenía más valor ser un primer exponente de lo cordobés que un pintor afrancesado en cola. Importaba más la intensidad que la belleza. Cerró los ojos al panorama internacional contemporáneo y se fue a estudiar a Leonardo y a Rafael. En la combinación Renacimiento y lo cordobés encontró la potencia. Con esa pintura se fue a Madrid, y Valle Inclán, Unamuno, Jacinto Benavente, o Pío Baroja, entre otros, valoraron su apuesta apoyándole incondicionalmente. Mirando a Romero así se me han subido al podium otros lamedores de la época como Christian Schad, o el enorme pintor malagueño Alfonso Ponce de León. [MGL]

Julio Romero de Torres [otra mirada, 2]

2012-01-20T01:40:00.000-08:00

En la foto, Joséphine Baker, bailarina, cantante y pin-up, habitual en el Cotton Club de Nueva York y conocida internacionalmente por bailar vestida sólo con un cinturón de plátanos. "Resulta muy significativo que a finales de los años 20, durante su primera visita a España, cuando se le preguntó por los motivos de su llegada, afirmase que el primer aliciente que le traía aquí era poder ser retratada por Julio Romero de Torres, a quien admiraba incondicionalmente". [Leído en el catálogo de Julio Romero de Torres, Simbolo, Materia y Obsesión, texto de Javier Pérez Segura]

Y nos apunta una cita el arquitecto Pedro Caro para trazar un hilo entre Julio Romero y Le Corbusier: "En esa misma gira en el Lutetia, a bordo se encuentra el arquitecto Le Corbusier, que viene de dar conferencias en el Río de la Plata y Brasil. “Es sencillo y alegre –dice Josephine– y nos hacemos amigos. Me explica su arquitectura del futuro. Pero también me aclara que la ciudad está hecha para el hombre, y no lo contrario. En el baile de disfraz del cruce del Ecuador había dos Josephines: yo y él. Se ha vestido de negro con un cinturón de plumas. Es irresistiblemente cómico. Le digo: Ay, señor Le Corbusier, lástima que sea arquitecto, qué buena pareja hubiéramos sido”, se divertía Baker en una de sus autobiografías." Sigue aquí.

Arcángel San Rafael [1925], óleo sobre lienzo, 175 x 128 cm [detalle]
Museo Julio Romero de Torres, Córdoba.

Y seguimos con Romero de Torres, mirando su pintura desde otro lado: "El caso más patente se produce en Arcángel San Rafael [1925], precisamente entre las manos del personaje femenino de la derecha, que fantasmalmente siluetean la figura de un aparato genital masculino completo sobre el que esta mujer tocada con la tradicional mantilla parece disponerse a efectuar una felación." [Leído en el catálogo de Julio Romero de Torres, Símbolo, materia y obsesión, texto de Jaime Brihuega].

Julio Romero de Torres - [otra mirada, 1]

2012-01-19T02:21:00.000-08:00

Julio Romero de Torres. Celos, 1915-1920

Óleo y temple sobre lienzo, 96,5 x 96, 5cm

Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires

Edvard Munch, Celos,1895

Óleo / lienzo,67 x 100 cm.

En el catálogo de Julio Romero de Torres, Símbolo, Materia y obsesión, nos apunta Fuensanta García de la Torre: [...] quedan por establecer los paralelismos entre la pintura de Julio Romero y los denominados por Litvak "pintores del norte", que entendemos como norte europeo, y cuya vinculación había sido apuntada hace unos años por Villar Movelllán, para quien tanto el recuerdo de Edvard Munch [1863-1944] como de James Ensor [1871-1949] pueden reconocerse en nuestro artista, bien a través de sus obsesiones expresionistas por la mujer y el sexo, el amor y la vida, la soledad y la muerte del maestro noruego, bien por medio de esa especial relación entre un pintor y su ciudad que representaron Ensor a través de Ostende y Romero de Torres a través de Córdoba [...].

Valle-Inclán, la actriz María Banquer y Julio Romero de Torres, en su estudio de Madrid en 1926.

En el libro sobre Julio Romero de Torres, Miradas en sepia [Ayto. de Córdoba, 2006], aludiendo al contexto artístico y literario del pintor, nos recuerda Mercedes Valverde Candil: "Todo ello nos confirma la relación de Romero de Torres con la élite cultural española de los primeros treinta años del siglo XX, revelándosenos como el auténtico pintor de La Generación del 98, no sólo por su gran amistad - aquí profusamente documentada - con Valle Inclán, Unamuno, los Machado, los Baroja, Benavente, Galdós o Azorín, sino por identificarse plenamente con los rasgos literarios de esta generación y los dictámenes concretados por Azorín de lo que fue "El 98".

R.B. Kitaj, La ascensión del Fascismo, 1979 - 80

En 1980, R. B. Kitaj pinta La ascensión del fascismo, donde una de las figuras es una versión de La chiquita piconera, de Julio Romero de Torres. Kitaj dice al respecto: Me "encanta" Romero de Torres, tengo un libro que habla de él. ¡Ojalá hubiese poseído su vida, su casa, sus mujeres, su renombre, su Córdoba (...) No sabía que la figura era una prostituta... Usé la pose de Romero porque son tres "bañistas" pero no las bañistas sublimes de Cezzane o Matisse, no Lujo, Calma y Voluptuosidad, sino su reverso siniestro.

[Leído en el catálogo Julio Romero de Torres, Símbolo, Materia y Obsesión, texto de Javier Pérez Segura].

Domingo, 15. 1. 2012

2012-01-15T23:36:00.001-08:00

Como un dibujo en una servilleta, o en una hoja de diario.

Talgo l - 1942

2012-01-15T05:45:00.000-08:00

Me parece bien que cierta publicidad y alguna ropa sean arte, pero entonces debo acordarme de esta maravillosa escultura móvil, que es también arquitectura por ser habitable, e ingeniería por llevar personas de un lado al otro del territorio, cuyo diseño contempla el deleite de los sentidos. [Talgo l, Prototipo. 1942 - Construido en los talleres Hijos de Juan Garay, Oñate (Guipúzcoa) y en los de la Compañía MZA de Atocha]

2012-01-11T02:39:00.000-08:00

Variaciones sobre tema andaluz. Proyecto mural para Aba Art, Palma de Mallorca. http://www.abaart.com/
Proceso de trabajo en la galería. Diciembre 2011.
Miguel Gómez Losada http://gomezlosada.blogspot.com/

Stylianos Gianakos

2011-11-16T01:15:00.001-08:00

1M - Fibra de vidrio, 20" x 18" x 12" - Stylianos Gianakos 1968

Hoy quiero referirme a Stylianos Gianakos, el autor de la escultura que aparece en la portada del disco de Kenny Burrell & John Coltrane. Es difícil rastrear su biografía, sólo he encontrado una pieza en fibra de vidrio, referencias de su trabajo a final de los años 60 en la Fischbach Gallery de Nueva York, y algunas patentes de diseño de muebles en las mismas fechas. Curiosamente, es la portada de este conocido disco la que ha dado mayor visibilidad a este artista americano de origen griego.

Kenny Burrell & John Coltrane – Kenny Burrell & John Coltrane

Released:1958

Genre:Jazz
Style:Bop, Hard Bop

Tracklist
1 Freight Trane
Written-By – Tommy Flanagan 7:19
2 I Never Knew
Written-By – Kahn*, Fiorito* 7:04
3 Lyresto
Written-By – Kenny Burrell 5:41
4 Why Was I Born
Written-By – Kern*, Hammerstein* 3:12
5 Big Paul
Written-By – Tommy Flanagan 14:04

Credits
Artwork [Sculpture] – Stylianos Gianakos
Photography By [Cover], Design [Cover] – Don Schlitten
Bass – Paul Chambers (3)
Drums – Jimmy Cobb
Engineer [Original] – Rudy Van Gelder
Guitar – Kenny Burrell
Piano – Tommy Flanagan
Producer [Original], Supervised By – Bob Weinstock
Tenor Saxophone – John Coltrane
Recorded March 7, 1958 at Van Gelder Studios, Hackensack, New Jersey

Glenn Gould

2011-10-17T11:14:00.000-07:00

Crítica de Aurelio Viribay

Quiero compartir con la gente de este taller al músico Glenn Gould. Existe una biografía publicada en la Editorial Turner y un documental absolutamente indispensables. Para empezar con el autor sugiero su interpretación de las Variaciones Goldberg en 1981.

Sobre Glenn Gould 1

Julie Mehretu

2011-09-25T15:18:00.001-07:00

Detalle

Seven Acts of Mercy, 2004, Tinta y acrílico sobre lienzo, 289 x 640 cm.

2011-08-20T06:27:00.000-07:00

Vídeo grabado en Los Boliches, Málaga, motivado por la frase: Al cabo de los años he observado que la belleza, como la felicidad, es frecuente, de Jorge Luis Borges, que descubrí en el blog de José Antonio Montano.

2011-08-12T12:30:00.000-07:00

Thomas Struth, The Restores at San Lorenzo Maggiore, Naples. Fotografía 1988/89

Thomas Struth, El Capitan, Yosemite National Park. Fotografía 1999

Paco Serrano, [1960 - 2009]

2011-08-10T07:59:00.000-07:00

Mañana 11 de agosto de 2011 se inaugura la primera retrospectiva del pintor Paco Serrano, en el Salón de Plenos del Ayuntamiento de Fernan Núñez, a las 21:30h.

El cartel de la exposición, así como una amplia biografía se encuentran en el blog de su hijo Marco.

Una noche del invierno de 1996 me lo encontré en la barra del Bar Soul, Córdoba, donde intercambiamos unas palabras amables y un dibujo. Desde aquí, todo mi aprecio y respeto.

Lo que queda del día

2011-08-06T09:28:00.000-07:00

[Recomendada para los que creen confiados que en el amor, siempre tendrán una nueva oportunidad]

Selección de fotogramas.

Temas para pensar después de ver la película:

1- La ternura y la actividad profesional como parcelas irreconciliables.
2- El afecto como un rango inferior de la inteligencia.
3- El afecto como un obstáculo para ejercer poder sobre los demás.
4- La cobardía sentimental.
5- La soledad.

Uno de los mejores papeles de Anthony Hopkins y de Emma Thompson.

La banda sonora de Richard Robbins evoca el campo inglés, las últimas luces, y el cielo nublado.

Richard Robbins - The remains of the day

Presentación en Qué grande es el cine 1/2

Presentación en Qué grande es el cine 2/2

Créditos en IMDB

Marcial Gómez, Panorama Museum, Alemania

2011-07-18T16:39:00.001-07:00

Inauguración de la exposición Magischer Realismus aus Spanien. Im Schatten der Träume (A la sombra de los sueños. Realismo mágico en España) en el Panorama Museum, Bad Frankenhausen (Turingia, Alemania),

Artistas participantes: Marcial Gómez, Luis Sáez, José Hernández, Eduardo Naranjo, Vicente Arnás, José Viera y Dino Valls.

Curador de la muestra: Michael Nungesser

Director del Panorama Museum: Gerd Lindner

9 de julio hasta el 23 de octubre de 2011

Más información en el blog de Marcial Gómez

Juan Serrano - Mural en la Facultad de Filosofía y Letras de Córdoba

2011-07-17T16:24:00.000-07:00

Proceso de trabajo en el mural ubicado en la Facultad de Filosofía y Letras de Córdoba, España. Julio 2011.

Mural sin título, recogido en la página 49 del catálogo -Juan Serrano, pintura / escultura / diseño-, donde aparece un proceso del mismo en su estudio. Este catálogo fue publicado con motivo de su retrospectiva en el Casino de la Exposición de Sevilla, y en el Palacio de Orive y la Sala Vimcorsa de Córdoba.

El arte no es una fruta de temporada

2011-07-13T05:36:00.000-07:00

[Anthony King - Filigree Funk, 1979]

Lo que más me gusta del arte antiguo es cuando parece actual, es decir, cuando supera la categoría 'expresión de su tiempo' para ser 'de todos los tiempos'.

[Klaus Wuesthoff & Kurt Drabek - Clouds, 1980]

Pintura que me gusta [1]

2011-07-04T16:46:00.000-07:00

Alex Katz - Good Afternoon #2 (1974), donde aparece Ada, su mujer y principal modelo. "Nadie sabía en qué saco meter mi agresividad. Siempre me moví más cómodamente entre los poetas: de John Ashbery a Frank O'Hara o Ted Berrigan. Así me convertí en el pintor con peores críticas de la historia", recuerda con sorna. "Una vez el Times me puso tan mal que necesitó mucho espacio. Me llamó mi madre y me dijo: 'Alex, al menos te han hecho algo de caso por fin'. Debió de ser en 1966". [Alex Katz]

Neo Rauch
Amanecer rojo, 2006
Óleo / lienzo 280 x 210 cm

Luc Tuymans The Walk 1993
Courtesy David Zwirner, New York © Luc Tuymans Oil on canvas 37x48cm

Mujer con un cuervo al borde del precipicio
Xilografía
Caspar David Friedrich,1802-04

Odd Nerdrum
Hepatitis, 1996
Oil / canvas, 203 x 191, 5 cm

Ralph Albert Blakelock, Moonlight, Silver and Old Lace, undated (c. 1880s). Oil on canvas 16-1/8 x 24-1/8 inches

Blue McRight

Untitled (View With A Room) (2008) Oil on Paper, 6'' x 9''

Detel Aurand
W.T. Nr.14 – 2009, Ink on Canvas, 200 x 270 cm

Murales de Edvard Munch

2011-06-14T14:24:00.000-07:00

Edvard Munch en el estudio de Kragero, 1909

Animado por el trabajo en Tierra Nueva he buscado fotografías de las pinturas murales que hizo Munch para el Aula Magna de la Universidad de Oslo: La Historia, El Sol, y Alma Mater, que fueron realizadas entre 1909 -cuando comenzó los dibujos para el concurso-, y 1916.

Las fotos en blanco y negro pertenecen a la casa con estudio al aire libre que compró en Kragero, población situada en uno de los fiordos de Oslo. Allí pintó parte de los murales, una vez recuperado tras su estancia en una clínica psiquiátrica de Copenhague. Se intuye la dificultad que tuvo que sufrir el pintor para abordar los grandes formatos, así como la inestabilidad de la escalera usada para los mismos.

En esta web hay un vídeo interesante sobre los murales y el contexto de Oslo.

Para reflexionar

2011-05-27T01:09:00.000-07:00

Leonora Carrington
La cuna [The Cradle] 1945
Design José Horna. Oil on wood
138.00 x 128.50 x 66.00 cm

Leonora Carrington y Max Ernst en St Martin d'Ardeche, 1939.

Ha muerto con 94 años la pintora surrealista Leonora Carrington. Me creo su pintura, como la de Remedios Varo y la de Max Ernst. No puedo decir lo mismo del surrealismo histriónico, exagerado, y en muchos cuadros, fingido, de Dalí. Ya no vale toda la pintura jeroglífica, como tampoco sobreactuar *el mundo interior*. Hoy le pido a la pintura que olvide el Siglo XX, que no se rija por movimientos, por lo que se ha hecho ya, y por lo que no. Hoy le pido a la pintura más que nunca que deje de obedecer a la cultura; que sea de autor, y que sea veraz.

Leonor Carrington
Red Mask, 1950
Tanned leather, metal, feather, painted mirror and mother of pearl buttons
57 x 55 x 5 cm.

Leonor Carrington

Help! La Nave Espacial, 1943
Gouache on buff paper
22 x 45 cm

Leonor Carrington
Lepidoptera, 1968
Mixed media on masonite
122 x 70 cm

Laure Pigeon

2011-05-17T14:49:00.000-07:00

Laure Pigeon (1882-1965) nació en Bretaña, Francia. Su madre fallece después de su nacimiento, y la niña es criada por su abuela. A la edad de 29 años se casó con un cirujano-dentista en contra de la voluntad de su familia. Después de 22 años de vida conyugal se separó de su marido –cuya infidelidad había descubierto– y se fue a vivir a una pensión. Allí conoció una mujer que la inició en el espiritismo.

Fue en esa época cuando Laure Pigeon hizo sus primeros dibujos, que no enseñaba a nadie, y a los que atribuía un carácter de médium. Laure Pigeon dibujaba figuras abstractas dentro de un complejo sistema de enrejados de hilos tenues, en tinta azul o negra. Los dibujos también contienen mensajes y profecías, cuya escritura –realizada en estado trance– es incierta, casi ilegible.

Quince años más tarde se instaló en un apartamento en la región de París, donde practicó el espiritismo en soledad. Sus obras fueron descubiertas en su casa después de su muerte.

Laure Pigeon, Sin título, 1961
Tinta violeta y azul, 65 x 50 cm.

Laure Pigeon, Sin título, 1959
Tinta violeta y azul sobre papel.

Fuentes: Círculo de Bellas Artes En torno al Arte Brut

Juan Serrano [Talleres]

2011-05-02T00:46:00.000-07:00

Juan Serrano, en los talleres.

Talleres de realización plástica, con los alumnos de Escuelas de Arte de Córdoba. Dirección Juan Serrano, coordinación por Miguel Gómez Losada.

Participaron en los talleres: Isabel Reyes Lillo, Mar Coromina, Eva cano Castiñeira, Oier Pesquera Blázquez, Rafael Figueroa Ayala, José Manuel Cobos Torrero, Felicidad Jiménez, López, Rafael Alarcón Soldado, Ismael Miguel Millán, Miguel Fernández Vilches, MªCarmen Quesada Margarito, Marta Tirado, Isidro Sánchez, Francisco Manuel Ruíz Rodríguez, Erik Venturelli, Jesús Escudero Galán.

Juan Serrano componiendo una de sus obras en la exposición de Sevilla. Fotos: Miguel Gómez Losada

Dentro de las actividades paralelas de la exposición de Juan Serrano en Córdoba, coordino los talleres que se celebrarán el miércoles 4 y el jueves 5 de mayo, de 19 a 21h. en la Sala Orive. Aunque la participación está ya consensuada con la Escuela de Artes y Oficios, los talleres son visitables estos días, así como la exposición. Ver programa aquí

Los talleres se plantean como ejercicio plástico libre. Los hemos titulado ¿Fondo y forma? y El juego de los opuestos, inspirados en el trabajo de Juan Serrano.

Agradecimientos: Juan Serrano, Ángel Luis Pérez Villén, Óscar Fernández, Josefo Rodríguez Royón, y José Julio Losada; así como Miguel Clementson, Fabricio Galadí y Trinidad Murillo de la Escuela de Arte.

Tú y yo, An affair to remember

2011-04-30T19:24:00.000-07:00

An affair to remember, traducida como Tú y yo, dirigida por Leo McCarey en 1957 y protagonizada por Cary Grant y Deborah Kerr.

Cine, arte, un encuentro truncado, y la certeza de que hay cosas que sólo ocurren una vez.

Reconocer al padre

2011-04-30T11:12:00.000-07:00

Mis raperos favoritos son aquellos que saben de dónde vienen, y lo reconocen. Snoop no dudó en homenajear a The Dramatics invitándoles a participar en el tema Doggy Dogg World. Es la cultura del agradecimiento, o mejor dicho, no hay cultura si cada nuevo artista calla de quién aprende.

En este videoclip- homenaje a los artistas del pasado están entre otros: Kool & The Gang, con el sampler atmosférico del tema Summer Madness; Parliament, con el interlude Give up the Funk; y Curtis Mayfield, con Freddie´s Dead. Emociona la aparición estelar de Huggy Bear, el chivato de Starsky & Hutch

Te recuerdo al sol

2011-04-16T00:07:00.000-07:00

Ampliar presentación aquí

Fotos: Juan Pablo Lucena y Miguel Gómez Losada

Te recuerdo al sol, exposición individual de Miguel Gómez Losada en Aba Art Ibiza. Del 14 de abril al 21 de junio de 2011

Gracias a Juan Pablo Lucena, por su amistad y ayuda en el montaje de la exposición; a Alejandra y Maribel de ABA, por creer en mí; a Fernando Gómez de la Cuesta, mi sherpa balear, y a su padre que vino a la inauguración; a Ana María Cabello, por su generosidad infinita; a las personas que me llamaron por teléfono sabiendo que las inauguraciones son como cumpleaños; y a mi familia.

Proyecto cero

2011-04-09T04:33:00.000-07:00

Manolo Garcés, Miguel Gómez Losada, y Josefo Royón, en el 4 Gatos, Córdoba. 8. 4. 2011

Comienza una nuevo ciclo y una oportunidad para la renovación. Hoy es el día adecuado para leer Proyecto cero de José Antonio Montano, justo antes de celebrar Te recuerdo al sol

Proyecto cero

Nuestra mirada es dócil
como las sábanas de las azoteas.
Nos dejamos llevar por los vaivenes del aire
como si no tuviésemos propósitos
o fuese dulce esperar.
...................................El horizonte
es una apacible sonrisa de promesas.
Nos mira como una inmensa pantalla transparente
a la que no importan los días ni los siglos.
Detrás no vemos nada porque no hay nada.
Pero desde allí viene el viento,
y nos gusta sentirlo levemente en el rostro.

[1989]

Fragmentos de Tierra Nueva

Una cita

2011-04-05T10:28:00.000-07:00

Miguel Gómez Losada, Eulalio Fernández, José Álvarez, Ramón Montes. Foto: Juan Bolaños . . . . . .

Tenemos una cita: El viernes 8 de abril a las 11horas, conversación entre Miguel Gómez Losada, José Álvarez y Ramón Montes. La entrada es libre, te espero en el Aula Magna de la Facultad de Filosofía y Letras. Gracias.

La huchita

2011-04-03T13:54:00.000-07:00

... .

. .Audrey Hepburn . .

De las facultades humanas me sigue sorprendiendo la imaginación, que es la posibilidad de ver sin tener delante, de crear un fin placentero para encaminarse a él por encima del vaivén cotidiano, superando cualquier obstáculo circunstancial. Entiendo así que imaginar es una actividad superior de la inteligencia.

La imaginación se nos despierta desde lo que percibimos oculto; cuando conocemos una parte de un todo; como esencia del deseo; para inventar un estado feliz; o ante lo que se intuye porque aún no está dado para la vista. Podemos proyectar la imaginación en cualquier sitio, ante cualquier situación y sobre cualquier persona. Imaginar no depende tanto de lo que tenemos, sino que tiene que ver más con lo que queremos tener. Con lo que nos falta.

La imaginación nos acompaña, pudiendo extender nuestro pensamiento inmediato en una dirección positiva, inventando el camino, que es vivir. Imaginar es abocetar el placer al que aspiramos, es un anhelo para saciar un gusto, y que nos mueve. Imaginar también tiene que ver con la esperanza, con una creencia de felicidad.

Imaginar y emplazarse a un futuro mejor minimiza la erosión de la supervivencia, como el cansancio, la apatía y la desmotivación, porque el pensamiento no está en el presente sino allí.

Todos los logros del ser humano tuvieron antes que ser imaginados.

La imaginación endulza el esfuerzo, la tarea; puede ser una celebración previa, y el comienzo de lo bueno. Imaginar es una actitud, una vocación, en todas partes, a todas horas, en lo doméstico, desde lo pequeño, ante lo que asoma y lo que se esconde.

La imaginación también es una necesidad de lo sublime. Añade a la realidad detalles normalmente desapercibidos, producto de la observación, como querencia del voyeur o como recurso hedonista de artistas visuales y de toda clase de creadores.

Y bajando a la tierra, hay un ejemplo caprichoso de imaginación estimulada por lo que está oculto: las huchitas, o escote de los dedos del pie, que en inglés se conoce popularmente como toe cleavage. Un asunto poco práctico en cuanto que no mejora la forma de andar, pero que proporciona belleza y simpatía a nuestra contemplación.

La huchita, como su nombre indica, es esa pequeña ranura que se forma entre los dedos del pie, recortada en el escote de la punta del calzado, frecuente en zapatos de tacón y en bailarinas. Así tuvimos instantes maravillosos en el cine, por ejemplo en los pies de Audrey Hepburn, Leslie Caron, o Brigitte Bardot.

La huchita más popular es la formada por el dedo chico del pie, casi siempre la única que se ve. Y qué extraño poder de seducción tendrá la huchita, cuando los diseñadores más refinados de calzado femenino la dejan asomar, justo hasta el límite donde quizá los dedos ya no sean tan bellos. La huchita, en cuanto que se debe al diseño del calzado, optimiza el pie, creando un escote similar al de los senos, sugerente como el pliegue de un cuidado sobaquillo, o el de un pubis veraniego.

Brigitte Bardot

Imaginar. 1. Representar idealmente algo, inventarlo, crearlo en la imaginación. 2. Presumir, sospechar. 3. Adornar con imágenes un sitio. [RAE]

Días estupendos

2011-03-27T19:57:00.000-07:00

. . . .

Anoche vi Días estupendos, de Alfredo Sanzol, en El Gran Teatro de Córdoba. Sólo leyendo algunos párrafos en la hoja de sala me di cuenta de que la obra me iba a influir. Quería dejarme influir (si no para qué ir a ver nada).

"Días estupendos va sobre la nostalgia del verano y sobre la libertad que sentíamos cuando éramos niños. Sobre el deseo de salir corriendo. Sobre esos días en los que concentramos todas nuestras esperanzas de felicidad. Sobre la frustración y el estrés que produce no conseguirlas. (...) El verano es el tiempo en el que la vida se expresa con más exhuberancia, con más luz y más calor, pero es el tiempo también en el que se cuaja la muerte que llega con el invierno. Las historias de Días estupendos tienen que ver con esa sensación de cresta vital. Donde más fuerte se expresa la vida, se encuentra el inicio de la muerte. Son historias extremas. De emociones radicales. Donde no es posible la negociación. Donde la intensidad arrastra la acción. Donde horrorizados nos reímos..."

A pesar del drama, la obra está contada sin vergüenza, en tono festivo, desparpajado, surrealista, donde el absurdo y la caricatura decantan la verdad. Al salir del teatro vi a uno de los actores, a quien felicité y pregunté si el texto estaba publicado. Amablemente me respondió una compañera que el Diario de Cádiz había publicado el texto y que me daría un ejemplar. Me puse muy contento por poder tener el texto íntegro, del que reproduzco algunos pasajes. Están escritos de forma sencilla, llenos de realismo y sabiduría:

"Hola. Soy tu madre. Tú no me puedes entender, pero hay una parte de tu cerebro que sí puede. (...) En general la vida es un viaje circular. Tú ahora eres inocente. Luego perderás la inocencia, y recuerda que debes pasar el resto de tu vida buscando esa inocencia que perdiste. Cuando encuentres la inocencia sabrás amar.".

. . . .

"Yo confío en ti, (al marido) y eso hace que mi confianza en los demás también sea fuerte. No está dañada. Cuando te separas con dolor, la confianza en los demás se daña. Desconfías de tu pareja y por extensión de los demás. No tendría por qué ser así pero lo es. Hay algo que se rompe dentro de ti y que hace que sea muy difícil iniciar otra relación."

LA POPULAR - Creo que voy a separarme de Óscar.

LA OTRA - ¿Por qué?

LA POPULAR: - Porque no me mola.

LA OTRA - Tú sí que le molas a él.

LA POPULAR - Ya, pero él ya no me mola.

LA OTRA - ¿Por qué?

LA POPULAR - No sé. Es soso.

LA OTRA - No es soso.

LA POPULAR - Es demasiado bueno, un poco inocente, y yo necesito un monstruo.

"Cuando pienses que una persona mayor es imbécil no te estás equivocando. Aléjate inmediatamente. Entre los niños y los mayores los imbéciles son muy abundantes, pero no se puede hacer nada, sólo alejarse. Tú también serás imbécil en ciertos momentos de tu vida. "

"Pase lo que pase y hagas lo que hagas, recuerda que siempre se nace para morir. Esto es muy importante pero se olvida con frecuencia. Eres sexualmente activa desde que naces, así que nunca te avergüences de tus impulsos sexuales. Aunque sea tu madre yo también seré sexualmente activa hasta mi muerte. Esto a veces se olvida. "

"Muchísimas cosas no sirven pero son agradables. Tenlo en cuenta, y no las desprecies"

"Si alguien te hace daño, perdónalo, porque el rencor te hará más daño a ti"

CARMEN Y SOFÍA - Se abrazan.

CARMEN - Ya te estoy echando de menos.

SOFÍA - Nos vamos a ver dentro de muy poco.

CARMEN - No lo sé.

SOFÍA - ¿Por qué?

CARMEN - Porque luego estamos todos muy ocupados y no coincidimos en fechas y es un jaleo, y las relaciones se van perdiendo poco a poco y luego, al final, dentro de dos años no nos acordaremos la una de la otra.

Días Estupendos - Texto y dirección Alfredo Sanzal

REPARTO - Paco Déniz, Elena González, Juan Antonio Lumbreras, Natalia Hernández, Pablo Vázquez. PRODUCCIÓN - Centro Dramático Nacional / Lazona

Andrés González Leiva

2011-03-27T12:43:00.000-07:00

Maravillosos dibujos de Andrés, carnales y voluptuosos. . . . . .

Andrés González Leiva (Córdoba, 1969) es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla. Especialmente recomendables sus obras El misterio de Electra / Horrible hórreo (2002) y Juana de Arco (2005).

Entrevista con el autor aquí. Más información en Editorial sins entido

Oscar Niemeyer

2011-03-27T07:03:00.000-07:00

"La vida es más importante que la arquitectura"

Oscar Niemeyer

Leo que se está inaugurando el Centro Niemeyer en Avilés. El arquitecto ha dibujado sobre su propio edificio una mujer dormida de grandes dimensiones, otra mujer pasando el brazo por encima del hombro de un joven, niños jugando, y un grupo de personas mirando el mar. Sabiendo que Óscar Niemeyer siempre entendió el arte ligado a la sensualidad y a la vida, es fácil imaginar que a sus 103 años quiera dejar en Avilés un testamento de amor.

Ver vídeo Informe semanal - El efecto Niemeyer

La toronja

2011-03-19T03:03:00.000-07:00

Cuando elegimos una fruta para pintarla, sentimos la inercia de recurrir a la más pintoresca, es decir, nos dejamos llevar por la fruta más popular y la que mejor ha sido pintada en la Historia del Arte, como los limones de Zurbarán, las naranjas de Julio Romero de Torres, las manzanas de Cezanne, o los membrillos de Antonio López.

Las frutas redondas son en sí mismas una solución para el argumento del cuadro, por el vigor del círculo y porque sólo la fruta bien pintada ya es un cuadro. Una fruta es un fragmento pictórico con autonomía, un motivo con significado propio irresistible en nuestra composición.
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El gran golpe del leñador mágico, de Richard Dadd

Las habichuelas mágicas, ilustración de Goble Warwick .

Espiru y Fantasio en El prisionero de los 7 budas, por Franquin.

Pero existe otra forma de acudir pictóricamente a la fruta: cuando ésta supera la escala acostumbrada y se nos presenta mucho más grande que la que tenemos en nuestro imaginario. Entonces acuden a nosotros múltiples asociaciones de vegetación mágica, como el jardín fantástico de La Hija de Rapaccini, escrito por Hawthorne y convertido en pieza teatral por Octavio Paz; el cuento Las habichuelas mágicas de Andersen, o innumerables ejemplos de surrealismo vegetal en el cómic, los dibujos animados y el cine.

Toronjo, en El Palacio Episcopal de Córdoba

En cualquiera de nuestros paseos por un jardín también podemos encontrar anormalidad vegetal. En El Palacio Episcopal de Córdoba hay un toronjo, árbol parecido al limonero procedente del lejano oriente y traído a España por los árabes, cuya fruta es la toronja, que supera hasta cuatro veces el tamaño de un limón. Sorprende la desproporción entre esta gran fruta y las ramas que la soportan. Quizá sólo sea el contexto del árbol, en una ciudad de naranjos, más pequeños que el toronjo. Pero esquivando el pensamiento racional y la procedencia exótica de este árbol, es fácil imaginar que existe alguna razón oculta en la biología de este gran cítrico, quizá la química caprichosa del aire, del suelo; o alguna explicación sobrenatural sólo entendible en La vida secreta de las plantas, terreno, nunca mejor dicho, del arte y de la fantasía..

Lectura recomendada: Agricultura andalusí.

Crisantemos de Mondrian

2011-03-11T12:24:00.000-08:00

Piet Mondrian - Composition No. 10. 1939-42

Piet Mondrian [1872 - 1944] es muy conocido por su abstracción geométrica de los años 1919 a 1944: composiones no figurativas de formas rectangulares, sobretodo en rojo, blanco, amarillo y azul, separadas por gruesas líneas negras; pero su interés por la geometría tiene un antecedente directo en la naturaleza vegetal, en sus estudios de árboles y flores. Son interesantísimos sus dibujos y pinturas de crisantemos realizados hasta 1920, no en ramos o jarrones, sino representando la flor como unidad, entendiéndola como una suma de formas imbricadas, para aprehender su estructura y esencia..

Cipreses negros

2011-02-17T16:29:00.001-08:00

Cristo de Los Faroles, realizado por el escultor Juan Navarro León en 1794, Córdoba, España. Postal de la colección Córdoba, cien años de historia gráfica. Foto: Señán

Memoriam, imagen de la revista Photograms of the year 1918, de la colección Annual Review of the World's Pictorial Photographic Work. El fotógrafo es el canadiense James. E. Paton.

Estas dos imágenes son el resultado de una conversación. Los cipreses negros, Memoriam, sobrecogedores por su belleza e intensidad, me los envía Woolgathersome, cuyo blog recomiendo especialmente. A través de esos cipreses, su negritud y el aire que los envuelve, se intuye una gran verdad que no está dada para la vista. Le he respondido con una postal antigua de mi ciudad, con la intención de que la vea exótica, como una representación de la España profunda, de Córdoba y su hondura. Dos lugares con la misma poética.

En la colección Annual Review of the World's Pictorial Photographic Work se pueden encontrar otras fotografías como éstas:

Foto: W. H. Porterfield (Buffalo, U.S.A)

Foto: W. R. Blakeley (Manchester)

El placer de mirar el suelo

2011-02-11T17:22:00.000-08:00

Reforma de la Calle Cruz Conde, Córdoba.

Pavimento de dos colores:

El cambio de color en el pavimento de la calle Cruz Conde obedece al criterio de diseño de la propuesta, la cual plantea reproducir la huella de las edificaciones que conformaban el espacio urbano antes de las obras de ensanche de la actual calle entre los años 1925 y 1930. Las losas más oscuras señalan las zonas ocupadas por las antiguas viviendas, y las losas claras el espacio que ya era calle. Para enfatizar el dibujo de los distintos vestigios se utiliza como recurso unas piezas lineales de latón que añaden brillo al solado.

La idea central del Proyecto es que la pavimentación narre parte de la transformación que se produjo en el centro de Córdoba a principios del siglo XX y de etapas anteriores, por lo que también está previsto que queden impresos en la calle los trazados de la desaparecida muralla de la Villa y las galerías del Foro Romano, de los que se dispone información.
En la fuente ornamental que se ubicará en la intersección con la calle Góngora se va a representar el plano de 1926 que se ha utilizado para reproducir el antiguo callejero.

El primer tramo de la calle Cruz Conde en la confluencia con la plaza de las Tendillas era ya calle en 1926 por lo que esa parte está pavimentada en losas claras, las fachadas de las edificaciones que dirigen hacia San Álvaro presentaban una alineación diferente, marcándose frente a estas el dibujo de las casas desaparecidas, así como en la intersección con la calle Góngora, se marca el trazado de la desaparecida calle Julio Burel, hoy Historiador Díaz del Moral, más ancha. A partir de la calle Góngora que cruzaba perpendicularmente cerrando la primitiva Cruz Conde había una manzana edificada que quedaba interrumpida por la calle Pastores, y haciendo el recorrido hacia el norte, luego por las calles De Cabrera, Miraflores, Cuatro Esquinas, y en la intersección con Ronda de los Tejares se abría la calle Doctor León Torrellas. Todas estas calles que conformaban el antiguo barrio de Trascastillo quedarán grabadas en la solería que se está construyendo.

Mobiliario urbano, el nuevo banco.

Fotografías tomadas el 7 de febrero de 2011

Fuente: Memoria del proyecto

Matisse a los 80 años

2011-02-08T08:38:00.000-08:00

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Henri Matisse. Fotografías a color de Gjon Mili en Niza para la Revista Life, el 1 de enero de 1949

Estudio para la vidriera del ábside de la capilla del Rosario, 515 x 252 cm.
1948-1949. Vía Henri-Matisse.net

. Matisse en agosto de 1949 trabajando en los dibujos para La Capilla del Rosario, fotografiado por Robert Capa en su apartamento del Hotel Niza

En 1949 Matisse tenía 80 años, y trabajaba en aquel momento en los planos, dibujos, vidrieras, y mobiliario para La Capilla del Rosario, en Vence, cerca de Niza. Concibió todo, desde el edificio hasta el diseño de las vestiduras litúrgicas. La capilla se bendijo el 25 de junio de 1951, tres años antes de la muerte del pintor. Reproduzco aquí la carta que le escribió al obispo:

"Excelencia, le presento con toda humildad la capilla del Rosario de las dominicas de Vence. Le pido que me disculpe por no haber podido presentarle yo mismo este trabajo a causa de mi edad y de mi salud. La obra ha requerido cuatro años de un trabajo exclusivo y asiduo, y es el resultado de toda mi vida activa. La considero, a pesar de todas sus imperfecciones, mi obra maestra. Ojalá el porvenir pueda dar la razón a este juicio mediante un creciente interés, incluso más allá del significado más alto de este monumento. Cuento, Excelencia, con vuestra vasta experiencia de los hombres y con vuestra profunda sabiduría para que juzguéis un esfuerzo que es el resultado de una vida consagrada a la búsqueda de la verdad".

Vía aciprensa

Henri Matisse, fotografiado por Dmitri Kessel en 1950 - Vía Leblogdesovena

Matisse a los 80, en el interior de su última gran obra, La Capilla del Rosario, en Vence.

La capilla del Rosario, en Vence, que no hubiese sido posible sin la hermana Jacques-Marie.

Leer aquí la fascinante historia.

William Morris [1834 - 1896]

2011-02-06T14:01:00.001-08:00

William Morris, retrato pintado por George Frederic Watts

William Morris fue un individuo renacentista en pleno apogeo del capitalismo industrial, un esteta refinado ante la vulgaridad de la producción en masa, un poeta atraído por ensoñaciones medievales y antiguas sagas nórdicas, un diseñador textil de energía inagotable y un agitador socialista ferviente y convencido. Más información en wikipedia

"El arte intelectual más elevado aspiraba a deleitar la vista, según se dice, y a la vez, suscitar emociones y educar el intelecto. Se dirigía a todos los hombres y a todas las facultades humanas. Por otra parte, la más humilde de todas las artes ornamentales compartía el significado y la emoción del arte intelectual: una se fusionaba en la otra mediante gradaciones casi imperceptibles; en resumen, el mejor artista seguía siendo un artesano y el artesano más humilde un artista."

William Morris - Windrush 1883-4
Vía The Textile Blog

"Tal vez creemos -o tal vez hayamos creado ya- una gran masa de gente acomodada, de fortuna media, que ronda el límite de las clases medias: artesanos prósperos, pequeños comerciantes y otros de este tipo; y, entre paréntesis, debo decir que, pese a sus buenas cualidades innatas, esa clase dice poco de nuestra civilización, porque, aunque viven en una especia de comodidad porcina en cuanto a la alimentación se refiere, están mal alojados, mal educados, les oprimen supersticiones rastreras, carecen de placeres razonables y están totalmente desprovistos de todo sentido de belleza"

William Morris - Kennet 1883-4
Vía The textile Blog

William Morris - Evenlode 1883-4
Vía The Textile Blog

"El arte se compone de tres elementos: variedad, esperanza de creación y la autoestima que se deriva del sentimiento de ser útil a los demás; y a todo ello se ha de añadir ese misterioso placer corporal que acompaña el ejercicio diestro de las facultades corporales"

"La tradición es esa maravillosa y casi milagrosa acumulación de la experiencia de todas las épocas, de la que los hombres se sienten partícipes sin ningún esfuerzo de su parte"

William Morris - Jasmine 1872
Vía The Textile Blog

"...Y en primer lugar debo pedirles que extiendan la palabra -arte- más allá de las actividades que son obra de arte deliberadas, para abarcar con ella no sólo la pintura, la escultura y la arquitectura, sino a las formas y colores de todos los objetos de uso doméstico o -aún más- incluso a la disposición de los campos para la labranza y para el pasto, la organización de las ciudades y de todas nuestras carreteras; en una palabra, que incluyan el aspecto de todo lo que rodea nuestra vida"

"La técnica es un modo de la ética, y no un altar erigido al progreso donde sacrificar la propia humanidad"

William Morris - Honeysuckle 1883 -
Vía The Textile Blog

Textos escogidos del libro: Cómo vivimos y cómo podríamos vivir - Trabajo útil o esfuerzo inútil - El arte bajo la plutocracia. William Morris. Editorial Pepitas de calabaza

Mario J. Ciampi - Ann Knorr

2011-02-03T14:49:00.000-08:00

Mural de Ann Knorr en el gimnasio de la Escuela Secundaria de Westmoor, Daly City, California. Arquitecto Mario J. Ciampi. .

Vía Revista Life - 15 de junio de 1959

Escuela Secundaria de Westmoor, Daly City, California

Mario J. Ciampi [1907 - 2006]

Basquiat - HipHop

2011-01-29T17:27:00.000-08:00

En pleno auge como pintor, Basquiat produjo e ilustró un disco de rap para su amigo Rammellzee, otro artista de la calle, fallecido el pasado 2010.

Basquiat también estaba en medio de la escena del Rap, y por tanto del HipHop.

Beat Bop [1983]

Vocals: Rammellzee, K. Rob

Basse et guitare: Sekou Bunch

Percussions: Abert Diaz

Beat Box: Jay M

Violon: Esther Ballet

Production and Artwork: Jean-Michel Basquiat

Rammellzee y Jean-Michael Basquiat. Fotos: Steven Torton

Grant Wood

2011-01-29T08:37:00.001-08:00

Grant Wood, pintor americano relacionado con el grupo de los Regionalistas, pintó el mundo rural del medio oeste, haciendo de una experiencia local, una obra universal. Esto me hace pensar en la Sierra de Córdoba, y en la campiña.

Grant Wood
The Midnight Ride of Paul Revere, 1931 Óleo sobre conglomerado, 76.2 x 101.6 cm)

Para este famosísimo cuadro posaron la hermana del pintor y su dentista. La grandeza de Grant Wood fue convertir su realidad inmediata en universal.

Grant Wood - American Gothic, 1930
Oil on beaverboard
74.3 x 62.4 cm

Grant Wood - Spring in the Country / Primavera en el campo - 1930

“La técnica no constituye el arte. Tampoco es una vaga y borrosa cualidad romántica conocida como belleza, alejada de las realidades de la vida cotidiana. Son la profundidad e intensidad de la experiencia de un artista las que son de primera importancia en el arte.”

Grant Wood

Joseph Conrad

2011-01-24T19:48:00.000-08:00

“Hay un tipo de eficiencia, sin fisuras prácticamente, que puede alcanzarse de modo natural en la lucha por el sustento. Pero hay algo más allá: un punto más alto, un sutil e inconfundible toque de amor y de orgullo que va más allá de la mera pericia; casi una inspiración que confiere a toda obra ese acabado que es casi arte, que es el arte”.

"El artista apela a nuestra capacidad para el deleite, para la admiración; a nuestra intuición del misterio que rodea la vida; a nuestro sentido de piedad, belleza y dolor; a la latente sensación de hermandad con todo lo creado, y a la sutil pero invencible fe en la solidaridad que une la soledad de innumerables corazones, y enlaza estrechamente a toda la humanidad. "

Joseph Conrad

Sigmar Polke

2011-01-21T17:11:00.000-08:00

Otra manera de dibujar.

Sigmar Polke
B-Mode 1987
300 x 220 cm
Artificial lacquer on synthetic cottonsigned on stretcher

Foto ampliada donde se puede apreciar la técnica, ver aquí

Sigmar Polke
Untitled 2001 - 2006
Artificial resin on polyester fiber
136.7 x 116.8 cm

Sigmar Polke
Fumador de opio [1982 - 1983]
Laca, papel y acrílico sobre lino, 259 x 200 cm

Sigmar Polke Triptych 2002

Sigmar Polke
Untitled 2001

Sigmar Polke

I Live in My Own World, but It's OK, They Know Me Here 2002

Peter Doig

2011-01-15T17:18:00.000-08:00

Peter Doig
Grand Riviere 2001-2002
Oil on canvas 228.8 x 358.4 cm

Peter Doig
Jetty 1994
Oil on canvas

Peter Doig - Gasthof zur Muldentalsperre 2000 - 2002

Peter Doig
Swamped 1990
Oil on canvas 197 x 241cm

Peter Doig
Milky Way 1989–90
Oil on canvas

Peter Doig
Ski Jacket 1994
Oil on canvas

Peter Doig
The Architects Home In The Ravine
1991Oil on Canvas
200 x 275cm

Peter Doig
Ski Jackets
1995, Oil on Canvas
76 x 90 cm

Enlace relacionados 1
Noticia

Yuriy Norshteyn

2011-01-13T05:39:00.000-08:00

El arte como prolongación de la infancia

Hedgehog in the fog

Tale of Tales, parte 1

Tale of Tales, parte 2

Tale of Tales, parte 3

Tale of Tales, parte 4 y última

Seasons, con Ivan Ivanov Vano

Yuriy Norshteyn

Filmografía:

-25th October, the First Day (25-е — первый день, 1968), in collaboration with Arkadiy Tyurin.
-The Battle of Kerzhenets (Сеча при Керженце, 1971), in collaboration with Ivan Ivanov-Vano.
-The Fox and the Hare (Лиса и заяц, 1973).
-The Heron and the Crane (Цапля и журавль, 1974).
-Hedgehog in the Fog (Ёжик в тумане, 1975).
-Tale of Tales (Сказка сказок, 1979).
-Participated in Winter Days (冬の日, 2003).
-The Overcoat (Шинель, still in production)

Josef Albers + Enoch Light

2010-12-25T02:21:00.000-08:00

Portada de Josef Albers [1960]

JOSEF ALBERS: artista plástico +
ENOCH LIGHT: Músico, director de orquesta, ingeniero de sonido y empresario.

Por Miguel Gómez Losada
Originalmente publicado en la sección Discos hermanados, de la edición en papel de la revista Enlacefunk Nº35

Mi Josef Albers favorito no está en los libros de arte sino en las magníficas portadas de discos del sello Command Records. Corría el año 1959, Marilyn enamoraba Con faldas y a lo loco, se popularizaba nuestro Seat 600, y el sonido estereofónico. Rafael de la Hoz modernizaba Córdoba con su arquitectura internacional, y Óscar Niemeyer proyectaba Brasilia, coincidiendo en el tiempo con el auge de la Bossa Nova. Eran años de prosperidad, la Segunda Guerra Mundial quedaba atrás y aún faltaba tiempo para el desencanto del postmodernismo.

Y en 1959 también:

-Franco inaugura el Valle de los Caídos.
-Triunfo de la Revolución cubana, Fidel Castro toma el poder.
-Marthin Luther King viaja a la India y afirma: “Ghandi es la luz-guía en nuestra técnica del cambio social no violento.”
-Picasso tiene 78, Duchamp, 72, Borges 60, Cary Grant 55 años.
-Miles Davis 33, y publica Kind of Blues.
-Nace Astérix, en la revista Pilote
-Josef Albers tiene 71, y su mujer Annelise 60 años.

Portada de Josef Albers [1961]

Josef Albers (1888 – 1976) es conocido sobretodo por sus Homenajes al Cuadrado, pintura abstracta geométrica, hija del constructivismo ruso y la Bauhaus. Fue en esta escuela, La Bauhaus, donde conoció a Anni Albers (Annelise Fleischmann,1899-1994), con quien se casó en 1925. Una historia de amor idílico alrededor de la pintura, los diseños textiles y los viajes exóticos; y en mi imaginación invento en su nombre mil ejercicios de vida, mezclados con otras tantas conversaciones sobre la geometría y el color.

Josef Albers - Estudio para homenaje al cuadrado - óleo / masonite 51 x 51 cm. 1954

Cuando Hitler decidió desmantelar la Bauhaus en 1933 no pudo con su amor. Los Albers emigraron a Estados Unidos, al igual que otros muchos artistas europeos. Enseguida volaron a Méjico por deseo de Anni, apasionada de las culturas prehispánicas y la ornamentación geométrica textil. Los Albers tenían una concepción global del arte, interesándose igualmente por la arquitectura, el diseño, los muebles, la tipografía, la literatura y la docencia; es decir, el arte como punto de vista, como ámbito integrador de la vida. Fruto del amor y la convivencia, sus obras se fueron complementando con el tiempo, alcanzando fuerza y plenitud en su conjunto. Josef Albers, predicador ante todo del arte como evocación y revelación, comenzó su programa artístico en la Facultad Black Mountain College (Carolina del Norte), compartiendo con los estudiantes sus Homenajes al Cuadrado, pintura seriada con ligeras variantes de un cuadro a otro. Albers establecía una comparación con la cocina: “A veces echo más sal, otras menos. Ahí reside la diferencia entre una pintura y la siguiente”. Y es cierto, no salen dos platos iguales aunque se cocine todos los días. Es normal distinguir un rioja de un vino de mesa, y reconocemos un alimento bien cocinado, sabiendo cuál es el punto óptimo de sal. Determinadas especias pueden evocarnos el océano, la montaña, el bosque, o una brisa templada como anticipo del verano. Albers tenía esta sensibilidad para aplicar el color. Pintaba cuadrados concéntricos, repitiendo esta estructura y variando las relaciones tonales. Una ligera mutación de rojo repercutía en la óptica y en la posterior emoción del cuadro. Cuando uno mira el trabajo de Josef Albers sabe que cada color tiene una dosis y un lugar exacto. Quizá esta meticulosidad, refinamiento cromático y actitud musical para pintar, es lo que sedujo a Enoch Light, cuando su hija Julie, y alumna de Albers, les puso en contacto.

Portadas de Josef Albers [1959 / 1960]

Enoch Light era otro perfeccionista. Violinista de sesión, director de orquesta, ingeniero de sonido y hombre de negocios; creo en 1959 la discográfica Command Records. Del encuentro Enoch Light – Josef Albers nacieron entre 1959 y 1961 las siete magníficas obras que nos ocupan. Fue una gran aportación a la Historia del Arte del siglo XX. Estos discos significaron una excepción en Albers, especializado en la poética del cuadrado; y aunque ya en los años 30 hiciera unos christmas para su uso personal con motivos redondos, fue en Commands Records donde se lanzó a explorar las posibilidades emocionales del círculo como unidad de repetición. A menudo sucede que lo más interesante en la trayectoria de un artista viene dado por un encargo, o digamos por algún agente externo que a modo de colaboración inocule una variante en su producción habitual.

Esta casa de discos popularizó en el mundo entero el sonido estereofónico, concibiendo sus álbumes con una actitud lúdica y didáctica (como si los instrumentos hablasen con muy buena dicción; con efecto ping pong en la percusión, y diálogo respetuoso entre la sección de cuerdas y la de vientos, de un canal a otro, con el fin de fascinar al oyente). Los discos de este sello se podrían etiquetar de jazz ligero -o de ascensor- como se suele decir, Easy listening y también Lounge. La presentación es impecable, como la innovadora doble carátula y libreto, con instrucciones detalladas para la escucha, que incluye colocación óptima de los altavoces, así como una ficha técnica completa de micrófonos, amplificadores y maquinaria sonora empleada en la grabación. Fue pionero en usar 4 canales y el sistema de grabación estéreo en cinta magnética de 35 mm –como en el cine-, que anulaba ruídos y el efecto “wow”. Esta alta tecnología sumada a las portadas de Josef Albers y los sugerentes títulos “Percusión persuasiva”, “Percusión provocativa”, hacen de estos discos una serie de colección, no sólo de buena música, sino de arte del Siglo XX. Tener una edición original de estos siete discos es como tener un grabado de uno de los artistas más influyentes del arte moderno. Quiero llamar la atención especialmente sobre este diseño precursor, que pertenece ya al imaginario global, del que han pasado cuarenta años y sigue de rabiosa actualidad. Commands Records y su director de arte Charles E. Murphy continuaron esta línea gráfica con otros diseñadores, discos que tengo en casa gracias a mi padre, que previamente trajera de Barcelona en los años 60.

Portadas de Josef Albers [1961]

Aunque dos de estas siete obras son música clásica, merece la pena poner aquí la lista completa de Josef Albers para Command Records:

Provocative Percussion (Volume 1), 1959

Provocative Percussion (Volume 2), 1960

Provocative Percussion (Volume 3), 1961

Persuasive Percussion (Volume 1), 1959

Persuasive Percussion (Volume 3), 1960

Pictures at an Exhibition, Mussorgsky – Ravel, 1961

Leonid Hambro and Jascha Zayde, Magnificent Two-Piano Performances, Mozart, Mendelssohn, Schubert, 1961

Cuando dejo correr estos elepés en casa me asaltan a la memoria escenas en Cinemascope: Cary Grant sentado en el hall del hotel, disimulando tras un periódico; o preguntando a la recepcionista -con timidez calculada- por su día libre. Es un sonido optimista, jazz suave sin complicaciones melódicas. Son canciones de siempre: Caravana, Brasil, Cuando tu amor se ha ido, La Rumba de Miami, La Cucaracha, Mambo Jambo, Querida mía …, Enoch Light tiene pocas composiciones propias, pero sus versiones de clásicos universales son de lujo, tan buenas que alcanzan identidad propia. Es música de la American way of life; Jazz en un Chevrolet, o un Lincoln, camino del aeropuerto con destino Hawai. Y lo que falta de autoría en este tipo de Jazz lo pone Albers en las portadas, haciendo de estos siete álbumes –insisto-, una cumbre de la abstracción.

Y en lo más íntimo, cuando suena Enoch Light y la Brigada Ligera, escapo del tiempo hasta un sábado por la mañana después de terminar las tareas: y ahí está el tocadiscos Dual Bettor, mis padres jóvenes, y una infancia feliz.

Anni y Josef Albers

DR XIV, de Anni Albers 1974. Tinta y lápiz sobre papel (Influencia mejicana)

Obra de Anni Albers (1938), publicada en la revista del Black Mountain College

Nota: Se celebró una exposición sobre las portadas de Josef Albers para Command Records en Minus Space reductive arts, Brooklyn, Nueva York, del 12 de diciembre de 2009 al 30 de enero de 2010

Poética animal, el ciervo

2010-11-30T12:56:00.001-08:00

Andrew Wyeth
Drawing 1946 - Pencil 21 x 23 1/2 cm

Studio of the Master of the Life of the Virgin, 1480-85
The Conversion of St. Hubert (St. Hubert)
Oil on canvas

Bruce Nauman
Pirámide animal, 1989
Espuma, hierro, madera y alambre, 365 x 243 cm
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Cervatillo de bronce, 48 cm de altura
Mitad del Siglo X, Madinat al-Zahra, Córdoba

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Fotograma de Bambi, Walt Disney [1942]

Franz Marc (1880–1916)
Rote Rehe II (1912)
Óleo/ lienzo, 70 × 100 cm
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Manuel Garcés Blancart
Flora y fauna, 2002
mixta-tela-tabla, 320x110 cm

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Philipp Ferdinand De Hamilton - (1667 - 1750)
Weiße gefleckte Rehe und ein Stachelschwein
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Frida Khalo
El ciervo herido [1946]
Óleo / lienzo 22, 4 x 30 cm .

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Ciervo de las Chimiachas, pintura rupestre. Arte levantino español, año 6000 adC.
Abrigo de Chimiachas, en el Parque Natural de la Sierra y los Cañones de Guara (Huesca, España)
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Nakamura Hôchû, The Korin Album, 1802

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Pisanello
La visión de San Eustaquio, 1436
Temple al huevo sobre tabla, 54 x 66 cm.

Historias inacabadas

2010-11-27T14:21:00.000-08:00

Bo Bartlett
Lifeboat 1998 - Oil on Linen - 80 x 100 cm.

Alex Colville, pintor canadiense nacido en 1920
Family and Rainstorm, 1955
Tempera on board, 22 1/2" x 29 1/2"

John Frederick Kensett [1816 - 1872]

Newports Rock [1872]

Óleo / lienzo 78,7 x 129, 9 cm.

El mundo como extensión del arte

2010-11-21T12:00:00.000-08:00

Esta curva de orilla en el embalse Guadanuño, puede verse como tal, y además sentirse a través de esta otra:

El pescador pobre, de Pierre Puvis de Chavannes

Óleo / lienzo, 155 x 192.5 cm, pintado en 1885

Y un reflejo en el mismo embalse, a través de:

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Claro de luna [1895] Óleo / lienzo 93 x 110cm. de Edvard Munch

Arte en Córdoba [1]

2010-11-17T22:20:00.000-08:00

Magnífica palmera, detalle del conjunto escultórico del San Rafael que hay en la Puerta del Puente. También incluye gruta rocosa, tres estatuas de mármol blanco que representan a los mártires patronos de Córdoba, Acisclo y Victoria, y a Santa Bárbara; un caballo, un león y un águila. Obra de Miguel Verdiguier, -sobre el diseño original de los artistas Domingo Esgroijs y Simón Martínez-, finalizada en 1781.

La isla hundida

2010-11-17T00:36:00.000-08:00

Narración fotográfica de la acción, sin sonido.

La Isla Hundida, acción pictórica coordinada por Miguel Gómez Losada, desde el Taller de creación pictórica para el proyecto coral La Isla Hundida de Javier Velasco.

Hicieron La Isla Hundida en Córdoba: Josefo Rodríguez Royón, Salud Ortega Losada, Pedro Peinado, Luiso Cabrera, Pablo Gallego, María Campos Flores, Lola Amores, Rosa Colmenarejo, Rafael Obrero, Flori, José Julio Losada, Juan Pablo Lucena, Pedro Caro, Salud Gordillo, Manuela Brinzoi, Rosa Lara, Juan Bolaños, Marcos Peinado Zurita, Paco Casado, Julia Gallego, Julio Monserrat Campos, Diego Gallego, Marta Ramiro, Izan, Manuel Garcés Blancart, Miguel Gómez Losada.

Ocurrió en un solar de Córdoba, el 13 de noviembre de 2010

Agradecimientos por la ayuda técnica y materiales: José Julio Losada, Ángel Córdoba, Salud Ortega Losada, Josefo Rodríguez Royón.

Käthe Kollwitz [1867 - 1945]

2010-11-06T16:29:00.000-07:00

Monumento en Berlín a Käthe Kollwitz

La muerte de su hijo menor marcó su obra. Käthe Kollwitz (1867-1945), artista alemana que reveló al mundo el horror que vivieron las mujeres como víctimas de guerra del régimen nazi.

Kopf eines Kindes in den Händen der Mutter, 1900

Mother and Dead Child, etching, 1903

After the Battle, 1921

Arbeitslosigkeit, 1909

Violada, 1908 - 1909

Betrunkener Mann, 1908/09

Mutter mit zwei Kindern, 1932 - 1936

Vistas del museo de Köln dedicado a la artista.

Käthe Kollwitz en 1927, fotografía anónima.

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Obras 1
Biografías 1, 2
Käthe Kollwithz, Museo de Berlín

Hermann Hesse, Obstinación

2010-09-19T16:29:00.000-07:00

Foto: Autor desconocido. Herman Hesse en Montagnola, su último paisaje.

" Una virtud hay que quiero mucho, una sola. Se llama obstinación. Todas las demás, sobre las que leemos en los libros y oímos hablar a los maestros, no me interesan. En el fondo se podría englobar todo ese sinfín de virtudes que ha inventado el hombre en un solo nombre. Virtud es: obediencia. La cuestión es a quién se obedece. La obstinación también es obediencia. Todas las demás virtudes, tan apreciadas y ensalzadas, son obediencia a las leyes dictadas por los hombres. Tan sólo la obstinación no pregunta por esas leyes. El que es obstinado obedece a otra ley, a una sola, absolutamente sagrada, a la ley que lleva en sí mismo, al "propio sentido".

Hermann Hesse. Obstinación (fragmento)

Oteiza + José Luis Alonso de Santos

2010-09-15T03:07:00.000-07:00

El arte, o es grito contra el muro, o reflexión sobre la existencia, o un jardín para el espíritu. [José Luis Alonso de Santos, director teatral]

Escuchar su conferencia en la Fundación Juan March aquí

Juan Ramón Jiménez + Mark Rothko

2010-09-09T05:40:00.000-07:00

Foto: Mark Rothko, 1961 © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko

EL VIAJE DEFINITIVO

Y yo me iré. Y se quedarán los pájaros cantando;
y se quedará mi huerto con su verde árbol,
y con su pozo blanco.

Todas las tardes el cielo será azul y plácido;
y tocarán, como esta tarde están tocando,
las campanas del campanario.

Se morirán aquellos que me amaron;
y el pueblo se hará nuevo cada año;
y en el rincon de aquel mi huerto florido y encalado,
mi espiritu errará, nostalgico.

Y yo me iré; y estaré solo, sin hogar, sin árbol
verde, sin pozo blanco,
sin cielo azul y plácido...

Y se quedarán los pájaros cantando.

Juan Ramón Jiménez

Mark Rothko [25 de septiembre de 1903 – 25 de febrero de 1970] Un episodio depresivo le llevó al suicidio.

Capilla Rothko

Cartas a un joven poeta

2010-08-27T15:34:00.000-07:00

Rainier María Rilke

Cartas a un joven poeta, de Rainier Maria Rilke. Un libro de arte y vida, revelador. Selección de fragmentos:

"Una obra de arte es buena si ha nacido al impulso de una íntima necesidad. Precisamente en este su modo de engendrarse radica y estriba el único criterio válido para su enjuiciamiento: no hay ningún otro. Por eso, muy estimado señor, no he sabido darle otro consejo que éste: adentrarse en sí mismo y explorar las profundidades de donde mana su vida."

."Un año no tiene valor y diez años nada son. Ser artista es: no calcular, no contar, sino madurar como el árbol que no apremia su savia, mas permanece tranquilo y confiado bajo las tormentas de la primavera, sin temor a que tras ella tal vez nunca pueda llegar otro verano. A pesar de todo, el verano llega. Pero sólo para quienes sepan tener paciencia, y vivir con ánimo tan tranquilo, sereno, anchuroso, como si ante ellos se extendiera la eternidad."

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"...Pero quizá son ésas las horas en que crece la soledad; pues su crecimiento es doloroso como el crecimiento de los niños y triste como el comienzo de la primavera. Pero no puede equivocarse usted, lo que se necesita, sin embargo, es sólo esto: soledad, gran soledad interior. Entrar en sí y no encontrarse con nadie durante horas y horas, eso es lo que se debe poder alcanzar. Estar solo, como se estaba solo de niño, cuando los mayores andaban por ahí, enredados en cosas que parecían importantes y grandes, porque los mayores parecían tan ocupados y porque no se entendía nada de lo que hacían."
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"lea lo menos posible trabajos de carácter estético-crítico: o son dictámenes de bandería, que por su rigidez y su falta de vida han llegado a petrificarse y a perder todo sentido, o bien tan sólo hábiles juegos de palabras, en que prevalece hoy una opinión y mañana la contraria. Las obras de arte viven en medio de una soledad infinita, y a nada son menos accesibles como a la crítica. Sólo el amor alcanza a comprenderlas y hacerlas suyas: sólo él puede ser justo para con ellas."

Se puede leer el libro entero aquí

Scarpia 2010 [Taller nocturno]

2010-08-21T12:29:00.000-07:00

Taller nocturno en Scarpia. Sábado 21 de agosto de 2010
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Contenido: Veremos una proyección comentada de momentos vegetales nocturnos en la Historia del Arte, seguida de una lectura de fragmentos de novelas o poemas relacionados con la noche. Enseguida desapareceremos como luciérnagas entre los árboles, con linternas y cámara de fotos en mano, proyectando luego el resultado y qué hemos visto en LA OSCURIDAD.
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En la segunda parte de la noche veremos las películas Fantasia [1940] de Walt Disney, y Dersu Uzala [1975] de Akira Kurosawa.
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Ejemplos de la proyección relacionada: .

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Cajita rusa lacada.

Mantón de manila.

Fotograma de Fantasía [1940], Walt Disney

Fragmento de un cuadro de Miguel Gómez Losada

Fotograma de Dersu Uzala [1975], de Akira Kurosawa

La cajita rusa, el pantano

2010-07-25T03:18:00.001-07:00

Cajita de madera lacada procedente de Rusia, pintada a mano,10 x 6 cm.

La trajo mi padre de uno de sus viajes; quizá el objeto más importante de mi imaginario sentimental. He crecido mirando sus colores brillantes sobre fondo negro y la vegetación tempestuosa que anima la escena. Podría tratarse de San Jorge, aunque al no ser ecuestre quizá sea un guerrero anónimo, sometiendo a Zilant, un dragón que según la mitología rusa moraba escondido en las profundidades de los lagos Qaban.

El pantano
Óleo / lienzo 456 x 146 cm.
Miguel Gómez Losada 2008, de la exposición/ catálogo La esperanza

El subtítulo vegetal

2010-07-18T05:27:00.000-07:00

San Sebastián
Jean-Baptiste-Camille Corot (c. 1850-55). Óleo / lienzo 52x35 cm.
Musée du Louvre, Paris

Corot es el gran pintor occidental de árboles. Esa rama que hay al lado del cuerpo de San Sebastian no es un recurso decorativo, traduce y completa la escena. El pintor utiliza un doble lenguaje simultáneo: la mirada al cielo de San Sebastian, y la rama ingrávida que se eleva junto al mártir. Esa rama hace de subtítulo, poniendo énfasis espiritual sobre el momento de la agonía, y del tránsito.
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En los cuadros de Corot, la naturaleza vegetal completa el ánimo de las figuras humanas, su sentimiento. Los impresionistas llegarían después, intentando atrapar la primera impresión del paisaje, satisfaciéndose con ese ejercicio de captura de lo que sucede ahí fuera: así, Monet pinta la luz cambiante, el movimiento del agua, con la pretensión de hacerse con ese devenir en el cuadro. .
Por el contrario, Corot pintaba el movimiento de las hojas para que imprimiesen sentimiento a la escena principal. Corot es un gran pintor de escenografías vegetales, y uno de los mejores pintores de árboles emotivos de todos los tiempos.
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Así como se aprende a interpretar qué siente un perro por los registros de su voz, también se puede entender el lenguaje de las plantas en la pintura, por cómo sus hojas, tallos y aire que las envuelve se nos presentan.
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Esta actitud llevada a la contemplación directa de los árboles en el paisaje, nos convierte en confidentes, haciéndonos partícipes del lenguaje íntimo de la naturaleza.

La soledad
Jean-Baptiste-Camille Corot ( 1796-1875)
Óleo / lienzo, 95 x 130 cm

Outskirts of Rome
Jean-Baptiste Corot - 1865 - dibujo

La quietud, el silencio

2010-07-13T11:57:00.000-07:00

Willem van Aelst
Still-Life. 1645
Óleo sobre panel, 41 x 32 cm. Colección privada

Blas de Ledesma
Cesta con cerezas y flores. 1620
Óleo / lienzo, 79 x 59 cm
High Museum of Art, Atlanta

Felipe Ramírez
Bodegón con Cardo, francolín, uvas y lirios. 1628
Óleo / lienzo, 71 x 92 cm; Museo del Prado, Madrid
(sobre una composición de Sánchez Cotán)

Francisco de Zurbarán
Bodegón de jarras (1636).
Óleo/ lienzo 46 x 84 cm; Museo del Prado, Madrid

Hokusai > Shôchan > Tintín

2010-07-08T02:05:00.000-07:00

Tintín, de Hergé

Shôchan, de Tofujin

Tintín viene de Japón.

La primera aventura de Tintín es Tintín en el país de los soviets, de 1929.

Shôchan no Bôken (Las aventuras de Shochan) es de 1923.

Shôchan, como Tintín, es un jovencito intrépido que resuelve casos difíciles, le gusta el riesgo y la aventura; le acompaña también una mascota, que en vez de ser un fox terrier -Milú- es una liebre.

Tintín es obra de Hergé. Shôchan es obra del guionista Shousei Oda y del dibujante Tofujin.

Después del parecido en el dibujo y el guión, creo que es acertado considerar a Shôchan antecedente de Tintín. Una línea de maestros de la tinta plana que se pierde en el Japón de Hokusai.

Tintín en El cangrejo de las pinzas de oro

Tintín en Los cigarros del Faraón

Hokusai - La gran ola de Kanagawa - 1826

Arte para la ausencia

2010-07-06T14:21:00.000-07:00

"The eye of Marie-Clémentine, Archduchess of Austria and princess of Salerno (1798-1881)" Artist unknown, French School. Musée Condé, Chantilly.

Arte del siglo XIX que parece del XX, de hoy, o de siempre: un objeto portátil que contiene la mirada de la persona amada, para poder recordarla en el tiempo, o en la distancia.

Es cierto que el arte trata -de una manera u otra- del tiempo que al artista le toca en suerte, pero también es cierto que hay temas que son atemporales. Esta miniautura del Siglo XlX atenúa la ausencia del ser querido, como podría hacerlo hoy una foto de un familiar en la cartera, o en el iPhone 4.

Dubovskoy Nikolay

2010-07-05T17:36:00.000-07:00

Dubovskoy Nikolay, pintor ruso de primer nivel, nacido en Novocherkassk -1859-, y muerto en Petrograd -1918-, el mismo año que Gustav Klimt y Egon Schiele.

Dubovskoy Nikolay
Forest River
Oil on canvas 69 x 106 cm

Dubovskoy Nikolay
Quieted Down [El silencio] 1890
Oil on canvas 86 x 143 cm

Sally Mann

2010-07-03T10:19:00.000-07:00

Maravillosas fotografías de Sally Man, en las que idealiza el paisaje sin dejar de documentarlo, sabiendo cuándo hay que dejar de trabajar la imagen. En arte es difícil saber qué se quiere contar y cómo empezar la obra, pero también lo es saber parar.

Sin título, 1998, fotografías de Sally Mann, realizadas con la técnica del siglo XlX llamada Colodión húmedo

Árboles inventados

2010-06-09T02:06:00.000-07:00

Bacanal (Il Baccanale degli Andrii)
Tiziano, h. 1519-1520
Óleo sobre lienzo - 175 × 193 cm

La copia que hizo Rubens.

Obsérvense los árboles de Rubens, que aun copiados del cuadro de Tiziano son completamente distintos.

El siguiente reto después de distinguir una cara pintada por Rembrandt, Velázquez, Goya, Manet, o Picasso; es hacerlo con los árboles de Tiziano, Rubens, Friedrich, o Hockney. En las caras hay un andamiaje a tener en cuenta -ojos nariz boca-. En los árboles, el pintor da un salto al vacío después de la segunda o tercera rama que se bifurca del tronco, haciendo crecer la vegetación de una forma totalmente inventada.

Cada pintor vegetal tiene su deje o acento; brotando, torciendo, angulando hojas y ramas, a modo de rastro de su exploración del mundo, pintando así un tramo de vida propia (1) .

El árbol como autorretrato.

(1) Un ejercicio interesante es descubrir la constante en la forma de pintar árboles, por ejemplo de Tiziano; y una vez entendida, apreciar el rastro, la variable vegetal de un árbol a otro, al estar pintados en momentos diferentes.

Steven Finch / Helvética

2010-06-08T03:04:00.000-07:00

Diseños realmente maravillosos, de Steven Finch. Partiendo de la Bauhaus y el estilo internacional, recuperan la estética de los medicamentos y las publicaciones científicas de los años 50 y 60. Atención a la Helvética, que es pura ingeniería: la letra más bonita del mundo.

2010-05-07T16:28:00.000-07:00

Ejemplos de animación rusa, 1946 - 1956

2010-04-02T16:23:00.000-07:00

Awake Groa Awake Mother illustrated by John Bauer in 1911 for Our Fathers' Godsaga by Viktor Rydberg

Midsummer Night - Francis Danby

Luna de nieve
matizando de azul
la noche oscura

Bôsha

2010-02-04T11:05:00.000-08:00

A Mossy Glen (1864)
John Atkinson Grimshaw

2010-01-23T01:52:00.000-08:00

Recibimos la visita de Joel Ceras, arquitecto panameño, en la foto junto a las hermanas Minerva y Esmeralda Parra Peralbo.

El disco de esta semana es Speak No Evil, de Wayne Shorter, un clásico del sello Blue Note (1964), perfecto para escuchar en el coche y sentir cómo el horizonte continúa en las notas alargadas de la trompeta, (sábanas de sonido, con el arritmo de algún charco inesperado, en la carretera mal asfaltada).

Wayne Shorter - saxofón tenor / Freddie Hubbard - trompeta / Herbie Hancock - piano / Ron Carter - contrabajo / Elvin Jones - batería

Escuchar aquí uno de los mejores temas del disco.

Speak no evil - Óleo/ lienzo 60 x 35 cm. Miguel Gómez Losada 2010

2010-01-16T14:53:00.000-08:00

Bodas de sangre, de Federico García Lorca, dirigida por José Carlos Plaza.

Por Miguel Gómez Losada

"Un cuadro es un objeto físico, y ponerse frente a él es una experiencia corpórea, una presentación directa sin intermediarios" Esta alusión a la pintura extraída de los contenidos de este taller también vale para el teatro, la danza, performances, muestras escénicas de diversa índole o la música en vivo.

Como actividad del taller fuímos a ver el ensayo general de Bodas de sangre el día 12 de enero, en el Teatro Central de Sevilla, por cortesía de nuestro amigo y actor cordobés Luis Rallo, que encarnó con veracidad a -el novio-, transmitiendo ilusión en el día de la boda, y luego sufrimiento por el amor perdido.

(La novia, a la madre del novio) : ¡Porque yo me fui con el otro, me fui! (Con angustia) Tú también te hubieras ido. Yo era una mujer quemada, llena de llagas por dentro y por fuera, y tu hijo era un poquito de agua de la que yo esperaba hijos, tierra, salud; pero el otro era un río oscuro, lleno de ramas, que acercaba a mí el rumor de sus juncos y su cantar entre dientes. Y yo corría con tu hijo que era como un niñito de agua, frío, y el otro me mandaba cientos de pájaros que me impedían el andar y que dejaban escarcha sobre mis heridas de pobre mujer marchita, de muchacha acariciada por el fuego. Yo no quería, ¡óyelo bien!; yo no quería, ¡óyelo bien!. Yo no quería. ¡Tu hijo era mi fin y yo no lo he engañado, pero el brazo del otro me arrastró como un golpe de mar, como la cabezada de un mulo, y me hubiera arrastrado siempre, siempre, siempre, siempre, aunque hubiera sido vieja y todos los hijos de tu hijo me hubiesen agarrado de los cabellos!

En esta foto podemos ver de espalda a José Carlos Plaza (pelo blanco), director de la obra, que supo trasladar a la escena -sin pérdida de emoción- la hondura del texto de Lorca, basado en el crimen de Níjar ocurrido en 1928. Plaza agradeció al público su asistencia por haber venido "aun en día de lluvia", subrayando también que la obra recogía el texto íntegro de Bodas de sangre. Un sobresaliente a la adaptación, por las elipsis y fluidez en la narración teatral, así como por las metáforas visuales para explicar la muerte, tratando la simbología del color rojo con inteligencia y medida (evitando redundar con el que ya va implícito en la palabra -sangre-).

Parte de la escenografía era un claro de luz última entre las nubes, dando a toda la obra esa sensación de angustia primigenia que sentimos en el paso de la tarde a la noche, que se manifiesta también en el piar desconsolado de los pájaros escondidos en los árboles, en la inquietud de las bestias de cuadra, o en el aullido coral de los perros abandonados en las cunetas.

Esa acertadísima luz de -cielo final- ya era un anticipo del desenlace, del amor arrancado y de la muerte.

Felicidades desde este taller de creación pictórica para el talentoso director, responsable también de la escenografía junto a Francisco Leal. Muy bien Mariano Díaz por la música original, que evitó el exceso de regionalismo, consiguiendo que los cánticos sonaran proféticos, presagiando así el trágico final, todo ello sin que la música eclipsara el trabajo de los actores.

Felicidades para Cristina Hoyos por la coreografía, que tampoco sobreactuó el concepto -Sur de España- en ninguno de los bailes. Igual para Pedro Moreno por el vestuario atemporal, o dicho de otra forma, siempre actual.

Toda la obra explicaba la Andalucía profunda sin caer en la tentación de la iconografía sabida, es decir, despertó el "andalucismo" a través de sensaciones íntimas que no estaban en la obra pero sí dormidas en el imaginario de todos: evocaciones como el olor a cal y a paja -sin brisa ni viento- del interior de un cortijo; el microclima frío al asomarse a un pozo; o la desorientación en la geometría infinita del sembrado. Bodas de sangre en manos de José Carlos Plaza es un retrato rural y esencial de Andalucía, esa tierra donde los grillos relevan a las chicharras en un canto eterno, y constante, interrumpido sólo por alguna moto de pueblo o algún ladrido en la lejanía.

Con Ana Aydillo y las hermanas Esmeralda y Minerva Parra Peralbo, esperando ilusionados que comenzara la obra.

En esta foto Consuelo Trujillo y Luis Rallo, excelentes. Y al fondo la emocionante escenografía crepuscular, imprimiendo esa angustia primigenia "fin del día" durante toda la obra, más lograda que la grieta del suelo, metáfora algo exagerada y fácil del amor roto, imagen que también se proyectó invertida en el cielo, restando eternidad al "sol que no baja" del atardecer continuo que ya había. Quizá este detalle fue lo único mejorable, aunque la iluminación de los actores fue perfecta.

Desde este taller, gracias.

2010-01-16T13:38:00.000-08:00

Minerva Parra Peralbo, en el taller desde el 12 de enero 2010

Esmeralda Parra Peralbo, en el taller desde el 12 de enero de 2010

2010-01-10T09:38:00.000-08:00

Pintura Nº7 - Óleo/ tabla 75 x 45 cm
Salud Ortega Losada

Salud Ortega Losada y nuestro compañero, también pintor, Juan López (delante de - Visiones de un nuevo mundo / primeras flores y otras hierbas / el frío, las estrellas - de Miguel Gómez Losada

Pintura Nº 7 - Óleo / lienzo 45 x 35 cm
Ana Aydillo 2010

2009-12-23T15:42:00.000-08:00

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Toor Boontje es un artista y diseñador holandés que sublima en múltiples registros la naturaleza vegetal, elevando a arte la tradición de los herbarios y la botánica. Más sobre él en este artículo y en su poética web..

2009-12-23T12:30:00.000-08:00

En el bar donde almuerzo hay un portal de Belén con este papel de fondo. Sirve de escenografía al -nacimiento-. Sus montañas, árboles, estrellas y nieve enfatizan -el misterio-, sugiriendo un tiempo pasado y lejanía mediante el color vahído y nebuloso. Esta reproducción industrial que se puede encontrar en cualquier papelería es un buen ejemplo de paisaje emocional. No solo es aconsejable que nos influencie la Historia oficial del Arte, sino cualquier cosa que excite nuestra imaginación.

Quizá haya mucho de ese paisaje industrial en mi nuevo cuadro. Cuando esté terminado será la imagen por la que recuerde estos meses en Sevilla, aquellos almuerzos, aquel Belén y aquel papel pintado.

Recibimos la agradable visita de Manolo Garcés, buen pintor y buen amigo. Detrás un fragmento de Visiones de un nuvo mundo / primeras flores y otras hierbas / el frío, las estrellas - Óleo sobre lienzo, 270 x 210 cm. Gómez Losada 2009

Salud Ortega Losada y Ana Aydillo, pintoras fieles al taller, alegres y soleadas.

2009-12-06T11:14:00.000-08:00

Fragmento de Visiones de un nuevo mundo / primeras flores y otras hierbas / el frío, las estrellas
Óleo/ lienzo 270 x 210 cm - Gómez Losada 2009

Haciendo el cuadro

Pintura Nº4 - Óleo/ lienzo 90 x 90 cm
Ana Aydillo 2009

Ana Aydillo terminando su nuevo cuadro

Pintura Nº4 - Acrílico / lienzo 40 x 32 cm
Salud Ortega Losada 2009

Qué agradable sorpresa cuando Alejandra Vanessa nos visitó en el taller. En la foto con Salud Ortega Losada

2009-11-29T09:43:00.000-08:00

La tierra oscura provoca muchas asociaciones. La primera podría venir al relacionarla con la tierra mojada, sugiriendo humus, bosque, suelo rico en minerales, fecundidad, lluvia reciente, incluso tierras vírgenes ... y si el color de fondo se acerca al negro ya entraríamos en un mundo irreal, donde la luz ilumina las plantas pero no el fondo, sugiriendo poéticas relacionadas con las estrellas, la noche, los sueños, el misterio y lo oculto.

Fragmento de La Primavera de Boticelli

Orientalismos en los mantones de Manila (fotografiados en un escaparate de la Calle Sierpes, Sevilla)

Cajita pintada y lacada a mano, procedente de Rusia. 15 x 9 x 2,5 cm

2009-11-29T03:05:00.000-08:00

Una de nuestras modelos, la gran Eline.

Mi querido fotógrafo José Antonio Modelo Villatoro

El artista Vladimir Oliveira, y la poeta Nuria Mezquita, también conocida como Dalton Trompet

2009-11-24T08:59:00.000-08:00

Freud, Lucian - Two plants 1977/80 - Oil on canvas (152.4 x 121.9 cm) Tate Gallery, London

En esa oscuridad que hay tras la espesura unos verán óleo seco sobre lienzo, otros una pintura de bella factura, y algunos, una puerta secreta al paraíso, [la utopía, un ideal de vida mejorada].

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2009-11-22T02:51:00.001-08:00

Fantasia, Walt Disney. Año 1940, película de animación . Selección de fotogramas

Vídeo 1
Vídeo 2

Walt Disney es sobretodo el artista de las luces que brillan en la oscuridad, de la magia de la naturaleza y la fascinación. En toda su filmografía existen maravillosos ejemplos de cómo los árboles, las plantas y el bosque éstán idealizados, provocando un espejismo de paraísos salvajes que podemos interpretar como una aspiración.

-La belleza tiene mayor alcance cuando se la entiende como un recorrido hacia la utopía (proyección humana de un mundo idealizado).

Y con naturalidad hermanamos a Walt Disney con el pintor James McNeill Whistler, en concreto los fotogramas de Fantasia con uno de los mejores nocturnos con luces en el cielo que se han pintado jamás:

James McNeill Whistler - Nocturne in Black and Gold The Falling Rocket, 1875
Oil on wood, 60.3 x 46.6 cm

Marta Zafra, para Hazel

2009-11-20T11:17:00.000-08:00

Esta imagen se pudo ver hasta la semana pasada [13.9.2009] en la estación de trenes Santa Justa, Sevilla, en el escaparate de la tienda Hazel, creado por la ilustradora Marta Zafra en colaboración con la firma de diseño Mirinda Company.

Los envoltorios, cajas y etiquetas llevan motivos florales; un buen ejemplo de cómo se puede conseguir profundidad en un dibujo superponiendo líneas de distinta intensidad, evocando niebla, jardín interior, atmósfera... La Historia del Arte recogida en los museos es una fuente constante de inspiración, pero la belleza nos aguarda todos los días en cada esquina, sólo hay que desear encontrarla. (13.9.09)

Más dibujos de Marta Zafra para Hazel, fechados en 2010

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Hazel II - ilustraciones de Marta Zafra para el Packaging de la marca Hazel - Técnica, bolígrafo sobre papel - dirección de arte y diseño gráfico, Mirinda Company - cliente Hazel.
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2009-11-15T03:47:00.000-08:00

Ana Aydillo y Salud Ortega Losada

En estos primeros días de noviembre nos visitó Eduardo Chivite, y

Rafael Obrero Guisado

2009-10-01T01:38:00.000-07:00

Miguel Gómez Losada, Carmen Gusanillo, Ana Aydillo y Salud Ortega Losada. El primer día de taller fuímos al Museo de Bellas Artes de Sevilla a estudiar plantas y árboles en los cuadros históricos, así como el paisaje cuando sirve de escenografía a personajes ilustres.

2009-09-25T17:26:00.000-07:00

Pintura Nº2
Óleo/ lienzo - 35 x 35 cm
Ana Aydillo 2009

Pintura Nº1
Por la mañana
Óleo/ tabla - 80 x 35 cm
Ana Aydillo 2009

Ana Aydillo

2009-09-25T16:51:00.000-07:00

Pintura Nº2

Generosidad
Acrílico/ tabla - 80 x 35 cm
Salud Ortega Losada 2009

Salud Ortega Losada

2009-09-25T04:18:00.000-07:00

Miguel Gómez Losada

Algunos fragmentos de Visiones de un nuevo mundo/ tierras vírgenes/ la noche y la umbría/ flores raras y otras hierbas/ el invierno/ lejanía

Óleo/ varios lienzos, 270 x 210 cm. cada uno

Gómez Losada 2009

2009-09-24T09:18:00.000-07:00

2009-05-13T12:51:00.000-07:00

Mientras espero tumbada
Óleo/ lienzo 70 x 125 cm
Ana Aydillo 2010, del taller